« Il faudrait trouver un nouveau terme pour définir ces groupes français qui marient si bien indie rock et pop FM. Pour moi ils font quelque chose comme du doudou rock ». Je dis ça à propos du dernier album d’Exsonvaldes dans un nouveau mag rock actuellement en kiosque. Saurez-vous le retrouver ? Il n’a pas de vision et sa maquette craint. Il y en a plein les rayons, dites-vous ? Oui, d’ailleurs je parie que d’ici avril ils auront mis la clef sous la porte. Bref, je m’écarte (des cuisses) du sujet. Je disais ça parce que ce symptôme de « doudou rock » s’applique aussi pile poil au nouveau Stuck In The Sound.
Si les Stuck séduisent en masse et en énervent quelques-uns avec leur deuxième album, Shoegazing Kids, c’est qu’ils incarnent une sorte de centre mou du rock, ni trop indé ni trop peu, ni trop rétro ni trop peu, ni trop rentre dedans ni trop peu, enfantant un disque cool, sensible et crâneur mais ne générant, au bout du compte, que peu d’émotion. Moi-même, je me découvre « centre mou » à son sujet, partagé entre l’évidence d’être alpagué par son souffle mélodique et celle de constater qu’il n’apporte rien au schmilblick.
« Ces jeunes gens ont su digérer un bon nombre d’influences sans complexes », me disait un attaché de presse aguerri au lendemain de leur concert à la Maroq. Façon de dire, poliment, que ça lui en touche une sans remuer l’autre. Alors que juste après, il m’avouait que dans un genre qui n’est pas le sien il avait été secoué par quelques morceaux au dernier live de Saez et que ça lui arrive de moins en moins de frissonner à un concert. A cette suspicion de fadeur studieuse des Stuck s’ajoute leur aura de win attitude.
Une amie qui les a connu à leurs débuts m’a dit que ça lui faisait bizarre de voir ce qu’ils étaient devenus. « Ce n’est pas que j’aime pas ce qu’ils sont devenus, m’a-t-elle précisé, c’est que ça me fais bizarre de voir que les ados avec qui je jouais à Mario Kart sont devenus des rocks stars branchouilles. » Le mot est lâché. Dans un pays où le succès est synonyme de prostitution et où l’on préfère les losers synonyme, eux, d’intégrité, de sincérité et de poésie, avoir du succès c’est être branchouille. Sale. Une autre objection ?
« Shoegazing Kids, ça sonne moins comme un titre d’album que comme le titre d’un article des Inrocks » me disait l’autre jour Xavier du groupe La Féline. Alors oui, c’est vrai les Stuck savent s’automarketer. Ils sont doués et ils le savent. Ils sont très axés anglo-américains, qui plus est sur des groupes aussi cultes et dead que The Cure, The Smiths, Pixies, Sonic Youth, Nirvana, Smashing Pumpkins, mais ça ne les empêche pas de se retrouver en une d’un mag électro, parce qu’ils sont beaux gosses et que leur rock a des secousses discoïdes pour faire danser les filles, et donc la meute des loups affamés.
Pour toutes ces raisons, les Stuck ne sont plus cette joyeuse bande de minikeums qu’ils formaient il y a encore 4 ans avec The Dodoz, Sheraff, eLdIA, Hey Hey My My et I Am Un Chien. Ça c’était du temps de leur premier album, Nevermind The Living Dead et « l’époque de l’explosion rock parisienne » où ils étaient « tous indépendant » et où « il y avait une sorte d’esprit communautaire » qui faisait qu’ils s’entraidaient pour tout est finie. Aujourd’hui ils ont « tous plus ou moins signé quelque part, chez un tourneur ou une maison de disques et c’est donc moins facile de jouer ensemble parce qu’il y a des histoires d’intérêts commerciaux ». Façon de dire, derrière la langue de bois d’usage que l’aventure est derrière eux et qu’aujourd’hui ils sont un peu sur des rails. Bonjour copains d’avant.
Cela mérite-t-il un flingage ? Non. Une interview ? Oui.
Pour questionner leur nature de « garçons jouets », cool, bosseurs et propres sur eux comme des Strokes made in France ; pour remettre en cause la rage triste et Ikea de ce Shoegazing Kids ; pour égratigner ce manifeste d’indie rock français qui évoque un imaginaire de sitcom US que brocardaient Smells Like Teen Spirit et Popular. Imaginaire où ce groupe insuffle une note trouble, comme en écho à l’Elephant de Gus Van Sant.
Ce 26 janvier, José Reis Fontao, le chanteur guitariste du groupe à la capuche invariablement vissée sur le crâne n’est donc pas de la partie. Je ne pourrais pas digresser de mon angle en lui demandant pourquoi il porte toujours cette capuche sportswear qui lui donne des airs de caillera Obi-Wan Kenobiesque. Quand il se pointera après la bataille, j’oublierai même de lui poser cette question et de l’interroger brièvement sur ce que je considère comme une des forces des Stuck, à savoir son chant et sa manière de régulièrement zapper tout souci de lyrics en optant pour des chorus onomatopesques. Au lieu de ça, on reviendra une fois de plus sur le buzz monstre que son groupe déclenche pour la sortie de Shoegazing Kids, et il me fera part de son souhait de se prendre enfin la paire de baffe critique qui les remettra en place. Je n’ai pas été si dur avec Emmanuel Barichasse (guitare), Arno Bordas (basse) et François Ernie (batterie/choeurs), mais quand même.
Salut les gars. Avant de démarrer officiellement cette interview nous parlions de l’enthousiasme quasi unanime soulevé par votre disque auprès des critiques. Sérieux, vous n’avez pas reçu l’ombre d’un seul bémol ?
Arno : On a vu qu’une critique moyenne. Mais elle vient d’un mec qui n’aime pas notre musique. Il n’avait pas aimé le premier album. Et il dit que le deuxième est dans la continuité du premier, qu’il n’y a rien d’original. Il ne nous descend même pas.
Qu’on critique l’originalité de votre musique, ça vous touche ?
Arno (rires gênés) : Oui, parce qu’on évolue dans un genre, le rock indé, où il y a de la place pour tout le monde, un genre où tu trouves autant The Smashing Pumpkins que Sonic Youth. Tous ces groupes ont chacun leur identité propre et c’est vers ça qu’on veut tendre.
Emmanuel : Le mec qui nous a fait cette critique a peut-être raison, je n’en sais rien, mais ce qui est sûr c’est qu’il a le droit de ne pas aimer parce que finalement tout ça ce n’est qu’une histoire de goût. Non, ce qui m’embête c’est plus les gens qui collent sans cesse les mêmes références sur ta musique alors que toi tu cherches à faire ton propre truc.
J’ai un pote qui m’a fait la même remarque. Enfin ce n’est même pas qu’il trouve votre musique sans originalité c’est qu’il trouve totalement régressif et sans intérêt de faire un disque de rock influencé fin 80’s / début 90’s en 2009. Pour lui un bon groupe doit faire une musique en phases avec son temps. Que pensez-vous de ça ?
François : Nous on ne s’inscrit dans aucune tendance…
Je n’ai pas dit le contraire, je disais juste autre chose, à savoir que votre musique regarde fondamentalement dans le rétroviseur.
François : Comment dire ? La plupart des musiques sont des musiques de rétroviseur. Quoique tu fasses tu ne fais donc que choisir un rétroviseur ou un miroir plus ou moins moderne pour refléter des choses du passé. Notre disque peut paraître régressif et déplacé comparé à tout ce qui sort en ce moment dans le créneau revival mid eighties, mais je pense que notre disque aurait quand même été surprenant s’il était sorti en 1991. Parce qu’il n’est pas qu’une resucée d’influences nineties. Il y a aussi des choses plus modernes.
Emmanuel : Oui, si on se plongeait dans la discographie auquel ce disque fait référence on verrait l’écart qui a été franchit. On verrait qu’on sonne plus frais que plein de choses issues des années 90 dont certaines ont mal vieilli. Je n’ai pas ma discographie sous les yeux mais par exemple notre disque n’a rien à voir avec Alice In Chains !
Arno : Avec Nirvana non plus ! Alors que c’est le groupe phare de notre adolescence.
Emmanuel : Après c’est peut-être régressif en soi de faire un disque guitare-basse-batterie en 2009…
Oui, c’est la question que je vous pose. N’est-ce pas régressif de continuer à faire une musique si pop-rock et anglo-saxonne en 2009 ?
Emmanuel : C’est-à-dire que je n’aurais pas considéré ça comme une avancée majeure pour la musique si on avait rajouté un beat électro à nos morceaux pour en faire une sorte de Flash Dance version 2009.
François : On aurait pu essayer d’avoir un son plus moderne, ne serait-ce qu’en recyclant la superbe vague French Touch de ces dernières années, mais on en a déjà beaucoup entendu et on n’a pas envie de se lasser nous-mêmes de notre disque. Quelque part on est heureux qu’il ne sonne pas en phase avec son temps…
Emmanuel : Qu’il ne soit pas daté avant même de sortir…
François : Mais tu as peut-être raison, c’est peut-être régressif. D’ailleurs je vais tout de suite aller manger mon caca (rires) !
Emmanuel : On n’a pas fait du copier/coller. On a juste fait le truc qu’on sait faire, qu’on aime faire et qu’on a envie d’écouter. Et on est fiers de ce disque. On a l’impression d’avoir fait un grand pas en avant par rapport au précédent.
A quels niveaux ?
Emmanuel : A tous les niveaux. Déjà Nevermind The Living Dead avait été composé sur un laps de temps très long. Quand il est sorti des morceaux avaient déjà 2-3 ans. Et ça faisait 55 fois qu’on les avait joué live. A sa sortie ce disque ne nous représentait donc que partiellement. Et puis à l’époque on n’était pas encore très à l’aise en studio, on était en train d’apprendre. Il y a donc des morceaux qui ont été fait de façon très pro et d’autres qui ont été bricolés et qui n’ont pas pu prendre leur pleine dimension. A l’inverse, sur ce nouvel album on a essayé de faire un tout cohérent avec un début, un milieu, une fin. Et les morceaux sont plus frais, plus raccord avec ce que le groupe est aujourd’hui.
Cette histoire d’album avec un début, un milieu, une fin c’est quelque chose que vous aviez planifié ?
Arno : Non, on n’est pas parti sur un concept album ! On est sorti de la tournée lessivé. On n’avait aucun morceau à part quelques pistes trouvées pendant les balances. Mais on a eu la chance de trouver un studio à Bordeaux, les studios Carat. Et on s’y est enfermé durant trois sessions d’une semaine, pour jouer, composer et enregistrer la moindre idée qui viendrait. Et à chaque fois que José ou Manu trouvaient de bonnes idées à la guitare acoustique on les retransformait tous les quatre jusqu’à ce que le résultat plaise à tous. Cette période d’écriture a été beaucoup plus courte que celle du premier album.
Et trois semaines d’écriture ont suffit à donner les 12 morceaux de Shoegazing Kids ?!
Emmanuel : Oui, les morceaux sont venus assez naturellement, sans idées préconçues. Certains ont juste demandé plus de brainstorming que les autres parce qu’ils étaient le fruit de collages de différentes pistes qu’on avait archivées à droite à gauche. Mais voilà, il n’y a pas eu de grosses souffrances ni de pages blanches.
Pourquoi avoir choisi Nick Sansano pour assurer non pas la prod du disque comme j’ai pu le lire à droite à gauche, puisque c’est vous qui l’avez produit, mais le mix ?
Arno : Pour le premier album on avait la chance d’avoir notre studio donc on a plus ou moins tout fait avec notre ami ingé-son Romain Della Valle. Et pour la prod et les prises de son de Shoegazing Kids on a de nouveau fait appelle à lui parce qu’il nous connaît vraiment parce qu’on a une telle complicité avec lui qu’il peut nous dire franchement : « Stop les mecs, ça c’est de la merde ! »
Vous ne vous êtes donc pas dit que ça péterait d’afficher le nom d’un producteur anglo-saxon sur votre disque ? Ça ne vous a pas tenté ?
Arno : Si, c’était en option, mais il faut garder à l’esprit qu’on est nous-même producteurs de nos disques et qu’on est de petits producteurs, on fait donc gaffe à la manière dont on investi notre argent les différentes étapes de réalisation du disque. Tu ne peux pas mettre toutes tes billes sur la prod, car après il faut assurer le mix et le mastering. Mais grâce à l’expérience acquise lors de l’enregistrement du premier album cette fois on a pu faire les prises de son nous-même. On a tout testé pour finalement se rendre compte que la solution évidente était de jouer tous les 4 dans la même pièce sans métronome et sans click.
Votre nom de groupe n’est donc pas usurpé : vous êtes vraiment en plein dans le son !
François : C’est clair qu’on s’est bien pris la tête sur ce disque-là !
Arno : On n’arrêtait pas d’en parler, même quand on n’enregistrait pas.
Emmanuel : Mais finalement, après ces trois semaines de maquettage intense, quand on est entré en studio on avait déjà une idée très précise du son qu’on voulait. Restait plus qu’à savoir comment l’obtenir. Et on savait comment s’y prendre parce qu’avait beaucoup discuté de la méthode à suivre avec Romain. Pour la prod on n’avait pas envie de faire appel à quelqu’un d’extérieur qui nous aurait donné des leçons et aurait peut-être dénaturer les morceaux.
François : Aujourd’hui on est très heureux d’avoir ensuite travaillé avec Nick pour le mixage, mais c’est vrai qu’à l’époque il y a des moments où on hésitait carrément à faire appel à lui…
Vous comptiez carrément le snober ?!
Arno : C’est-à-dire qu’on voulait vraiment ce son live de quatre mecs jouant ensemble comme dans les disques des années 70 ou ceux plus vieux de la Motown. Parce que jouer ensemble c’est ça qui nous fait vibrer et… Mince, je ne sais plus où je voulais en venir (rires) !
François : En fait on n’a pas voulu tricher sur disque en rajoutant des caisses et des caisses d’arrangements qu’on ne pourra jamais reproduire en live…
C’est vrai que finalement la prod du disque est assez sobre…
François : Ouais, le disque est honnête, c’est juste nous quatre, avec quelques petites fioritures sur la voix mais c’est tout. Mais voilà, après la rencontre avec Nick a été géniale.
Pourquoi l’avoir choisi lui ?
Arno : C’est en décortiquant qui avait travaillé sur les albums de Sonic Youth qu’on est tombé sur Nick Sansano. A côté de ça son nom nous avait aussi été rappelé par d’autres personnes, rapport à son travail avec Noir Désir, Public Enemy, etc. Mais nous c’est surtout son travail avec Sonic Youth qui nous intéressait parce qu’on oeuvre d’un style qui n’est pas très loin du leur. A part lui on avait contacté 2-3 autres mixeurs mais il a été le premier à nous répondre, et d’une manière super enthousiaste et chaleureuse. On a donc choisi de bosser avec lui.
François : Ca nous intéressait vachement d’avoir quelqu’un qui pourrait venir un peu faire le ménage dans tout ce qu’on avait essayé de faire, tout en respectant le fait qu’on s’était vraiment impliqué dans le son du disque. Et il a été à la fois hyper créatif et hyper à l’écoute. La collaboration fut donc parfaite.
Et en effet ce qui frappe à la première écoute de l’album c’est l’unité sonore. Tous les morceaux s’enchaînent impeccablement avec le même son, limpide, coloré, catchy.
François : ça c’était quelque chose d’important pour nous. On voulait vraiment une identité sonore forte du début à la fin du disque. On est donc heureux d’avoir réussi à la faire ressentir.
Emmanuel : C’est pour ça que c’était important qu’on le fasse le son nous-même parce que ça nécessitait des partis pris techniques peu conventionnels qui auraient pu faire peur à un réalisateur un peu trop classique qui ne connaîtrait pas l’histoire et la nature du groupe.
En même temps ce qui frappe dans ce son c’est qu’il n’est pas très rugueux pour du rock indé. Je veux dire qu’il y a beau avoir plein de guitares on est loin de Sonic Youth. Tout au long du disque votre son est caressant, presque mielleux comme si vous faisiez le pont entre l’intensité du rock indé et la douceur de la bande FM.
Arno : Euh je pense que ça vient de la nature même de la formation musicale. C’est-à-dire que José joue sur une guitare acoustique en nylon espagnol, un truc qui sert à jouer du flamenco à la base, et à l’échelle de toute l’histoire du rock indé il y a peut-être un groupe qui fait ca, pas plus ! Et c’est le matériau de cette guitare qui donne cette douceur. Il a beau la saturer avec un ampli, elle sort quand même un son super doux avec une grande richesse harmonique.
François : En même temps, artistiquement c’est cette brèche entre l’indie rock pur et dur et la pop FM qu’on cherche à investir. On n’a pas envie de se permettre tout ce que se permet Sonic Youth.
